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Mis 50...
Esta es la colección de mis 50 discos favoritos. Es, como es lógico, una lista absolutamente subjetiva y basada en mis propios gustos. Y aunque son los 50 discos que me llevaría a una isla desierta, lo cierto es que no he incluido ningún disco de artistas españoles porque creo que se merecen una lista propia que a buen seguro terminaré publicando.

¡Ah! El orden es aleatorio. Ni el número uno es mi favorito ni el 25 anda a medias. Los he ido añadiendo según pensaba en ellos y los anotaba en un papel.

1. QUEEN 2 (QUEEN)

Todo el que me conozca sabe que tengo autentica devoción por este grupo. Supongo que ese será el motivo por el que tiene más discos en esta lista (3). Este es el segundo disco de la banda inglesa, lanzado en 1974 y que sufrió durísimas críticas de la época. De hecho, incluso hoy, es uno de sus discos más desconocidos, pero a mi juicio, el más interesante.

En vinilo, originalmente, el disco está diferenciado por las dos caras; la cara A es la cara blanca y agrupa todas las canciones que no compuso Freddie Mercury (son 4 canciones de Brian May y una de Roger Taylor), canciones más rockeras. La cara B es la cara negra, todas las canciones son de Freddie Mercury, mucho más corales. Ya eran un grupo en que empezaba a ser tenido en cuenta tras el éxito de su primer disco y se plantearon hacer una música más elaborada con un montón de grabaciones superpuestas y coros de voces.

La portada es una de las imágenes más icónicas del grupo, Freddie se inspiró en una fotografía de Marlene Dietrich para su diseño. Esta misma idea es la que usarían en el primer vídeo musical de la historia, en 1975, para Bohemian Rhapsody.

2. LET´S GET OUT OF THIS COUNTRY (CAMERA OBSCURA)

Este es el tercer disco de este grupo escocés, lanzado en 2006. Ni en este ni en el resto de comentarios pretendo hacer una crítica del disco, pero no me resisto a resaltar la frescura y limpieza de sus canciones. Son sencillas, pero con arreglos elegantes y melodias pegadizas.

Este disco es una buena oportunidad para conocer a este grupo. Es muy posible que si no lo conoces y escuches "Lloyd, I´m ready to be heartbroken" (este fue el single del disco) pienses que ahí detrás hay talento., además de la canción que da título al album.

Su último disco lo lanzaron en 2013 (Desire Lines, otra maravilla). Ójala tengamos noticias suyas dentro de poco.


3. THE SONG REMAINS THE SAME (LED ZEPPELIN)

Este es el primer de los tres discos en directo de esta lista. Aunque cualquiera de sus discos estaría en una lista de "los mejores", en mi lista personal prefiero incluir este por la recopilación de las canciones y la claridad del sonido directo.

Fue publicado en 1976 y es la banda sonora de la pelicula del concierto realizada en el Madison Square Garden de Nueva York. Se compone de dos discos y creo que han editado hace poco una versión remasterizada con más canciones que los discos originales.

Me sigue gustando la fuerza con la que abren el disco (el duro inicio de "rock and Roll") y, como no, la maravillosa "Starway to heaven", una de las obras maestras del rock.


4. EYE IN THE SKY (THE ALAN PARSONS PROJECT)

El sexto album de Alan Parsons (es decir, la pareja Alan Parson y Eric Woolfson), fue publicado en 1982 y ha sido el más exitoso en su carrera. A mí, que me pilló muy adolescente, fue toda una impresión y me hizo cambiar un registro más rockero que tenía por entonces, acercándome más al pop-rock. También fue mi primera toma de contacto con Alan Parsons, no sabía lo que me había perdido de ellos hasta escuchar este disco.

La portada, el ojo de Horus, ha quedado ya como un icono de la historia musical (en este listado veremos unos cuantos iconos más). La canción central, del mismo título que el album, todavía se sigue escuchando en multitud de emisoras. Pero también incluye joyas como "Silence and I" y, para mí, la joya del album, "Old and Wise". En definitiva, una album completo que no debería faltar en cualquier colección que se precie.



5. COLES CORNER (RICHARD HAWLEY)

Reconozaco que este artista fue todo un descubrimiento en la década del 2000. Este es su cuarto album, lanzado en 2005, que le dio fama internacional. El título inmortaliza el legendario hito de Coles de Sheffield, un lugar de reunión popular de antiguos y nuevos amantes, una historía clásica en el repertorio de Hawley, aunque con finales poco felices.

Creo que la voz rota de Richard Hawley es, dentro del panorama musical, la que mejor representa el dolor del amor no correspondido, y su música, evoca melancolía. Este album contiene la que es, según mi impresión, una de las mejores canciones que conozco: "The Ocean". También destacaría del disco "Coles Corner", con la que abre el album, y "Hotel Room".


6. NO NEED TO ARGUE (THE CRAMBERRIES)

Este fue el segundo album de los irlandeses The Cramberries, publicado en 1994. Quizás fuera su album más exitoso y contiene algunas de las canciones más conocidas suyas, "Zombie" y "Ode to my family", una de las canciones más hermosas que conozco.

En este album, el grupo evolucionó a un sonido más rockero y profundo, que era el estilo imperante allá por la mitad de los 90. La mayoría de las canciones correspondieron a Dolores O´Riodan y es innegable el peso de la cantante, con esa voz clara y sufrida que caracteriza el estilo de sus composiciones. El album apunta a temáticas profundas, como la muerte, la guerra, la frustración. Siempre valientes, en "Zombie" rindieron tributo a dos víctimas de un atentado del IRA



7. THE RISE AND FALL OF ZIGGY STARDUST (DAVID BOWIE)

Es realmente complicado seleccionar un disco de Bowie, pero por lo que representa, me quedo con éste, su quinto album, lanzado en 1972. El disco narra la historia de Ziggy Stardust, un extraterrestre bisexual de imagen andrógina que se convierte en estrella de rock (¡ay las drogas de los 70!). Este personaje fue el alter ego que adoptó Bowie en su carrera y al que hará referencia en muchos de sus discos. "The spiders from mars" son la banda que le acompañó en aquellos años. El disco comienza con Ziggy revelando a los habitantes de la Tierra que sólo quedan cinco años para que su planeta desaparezca, tras lo que decide convertirse en un "mesías rock" para salvarlo de la destrucción. Finalmente termina por abandonar sus objetivos y siendo víctima de su propio éxito.

Las canciones son potentes y el rock es duro, propio de los inicios de los 70. Sin embargo, no ha perdido su esplendor con el paso de los años, aunque es un disco bipolar, o te enamora o te decepciona profundamente.


8. BACK TO BLACK (AMY WINEHOUSE)

El segundo y último album de la cantante británica, lanzado en 2006. Su lanzamiento fue un éxito inmediato. Las letras de las canciones son inteligentes y dolorosas a la vez, amplificadas por el chorro de voz estridente que, como decía una crítica "puede transformar incluso los sentimientos mundanos en las declaraciones de gran alcance". Duele pensar la música que nos podría haber ofrecido esta mujer con el paso de los años.

El tema que da nombre al disco cuenta una época negra de la vida de Amy a través de sus propias palabras. Se trata de una declaración desbordante: nos cuenta su dolor y la ira de haber sido traicionada e incluso, sustituida. Hablamos de duelo porque incluso el videoclip de la canción recoge el entierro del corazón de Amy que, vestida de negro, es acompañada al cementerio por sus músicos como si de una viuda en estado de debilidad se tratara.


9. HOMELAND (BILL DOUGLAS)

Y ahora pegamos un salto a un estilo radicalmente distinto; musica coral. Este disco, publicado en 2002, es como indica en la portada, una oración por la paz. Bill Douglas compone este disco a raíz de los atentados del 11-S.

El disco, interpretado por The Ars Nova Singers, destila melancolía de principio a fin, pero con una línea de esperanza detectable en las composiciones. Es un homenaje a la belleza de la canción popular tradicional americana.

Es uno de esos discos a escuchar en solitario, prefiblemente con unos buenos cascos, en uno de esos días en los que uno desea ponerse en paz consigo mismo. Cerrar los ojos y empezar a escuchar "Shenandoah" es el camino más sencillo para alcanzar el estado de relajación supremo.


10. TUBULAR BELLS (MIKE OLDFIELD)

El primer disco de Mike Oldfield fue toda una sensación en 1973, año de su lanzamiento. Originalmente era un maqueta que el artista ofreció a diversas discográficas sin que existiera un interés inicial de aquellas por editarlo, entre otras cosas por tratarse de una composición muy extensa y sin letras cantadas, a diferencia de como era tendencia en esa época. No hay una sola canción con letra propiamente dicha. Tubular Bells se compone de dos piezas ("Part One", "Part Two"), en las que son desarrolladas un sinfín de melodías, algo que justamente hace de este disco algo especial.

Al tratarse de una larga sinfonía a ser ejecutada con una multitud de instrumentos, prácticamente todos ejecutados por Oldfield, existieron dificultades técnicas para grabar todos a la vez. Y la portada del disco, otro icono de la historias del rock.



11. BLADE RUNNER (VANGELIS)

Por supuesto que una banda sonora se puede merecer un hueco en una selección de discos. Y creo que la banda sonora creada por Vangelis para la pelicula de Blade Runner (que por cierto, adelanto que la incluiré dentro de mis 50 películas favoritas) se merece tal distinción.

La película se estrenó en 1982. El paisaje musical de un hipotético Los Ángeles de 2019 fue creado al estilo "new age" que empezaba a despuntar en aquellos años. Todo el disco está realizado con sintetizadores polifónicos, aunque el lanzamiento oficial de la banda sonora de la película no se realizaría hasta 1994 y Vangelis incluyó algunas canciones que no aparecían en la película.

El agente Decker sentado frente al piano, mirando fotos, tratando de recordar, mientras sonaban de fondo esas notas...

12. RAINTOWN (DEACON BLUE)

El primer album de esta banda escocesa, lanzado en 1987 y todo un clásico para los poperos de los 80. El album trata de la vida urbana en Glasgow, todas las canciones están centradas en aspectos cotidianos del interior de la ciudad. Con un sonido limpio, Deacon Blue nos lleva por las lluviosas calles de su ciudad, contándonos una historia de sus gentes en cada una de las canciones. 

Soy incapaz de contar las veces que he tarareado el estribillo de "Dignity", pero esta, siendo la canción más conocida de su repertorio, solo es una más en el conjunto de este disco. Todo el disco conjuga juegos vocales chico-chica que lo hacen tan delicioso. Aunque este grupo sacó otros discos posteriormente, ninguno alcanzó la majestuosidad de este.



13. THE DARK SIDE OF THE MOON (PINK FLOYD)

A mi juicio, el mejor disco de la era moderna. Simplemente, una obra maestra. Publicado en 1973 es un album, como todos los de Pink Floyd, conceptualLa temática del álbum incluye el conflicto, la avaricia, el envejecimiento y la enfermedad mental, este último tema inspirado en parte por el deterioro mental de un miembro fundador del grupo. el ingeniero de sonido fue un tal Alan Parsons que depués se embarcaría en sus propios proyectos. Fue tal su éxito, que permaneció en las listas de los más vendidos durante 937 semanas (19 años, el que más en la historia). Y respecto a ventas, solo superado por el Thriller de Michael Jackson y el Back in black de AC/DC. Cada cara del album constituye una pieza continua de música, 5 pistas por cara. El album empieza y termina con latidos de corazón, en medio, toda una experiencia musical. Y otra portada icónica a la colección, ese prisma refractando la luz, sin textos, representa tres elementos; la iluminación en los conciertos de la banda, las letras del álbum y el deseo de Richard Wright de crear una portada más «sencilla y pulcra» que la de discos anteriores de la banda, aunque como curiosidad, en la luz descompuesta falta un color (el añil). El espectro de luz continúa por el desplegable antes de volver a unirse en otro prisma en la contraportada, una idea de Roger Waters.

14. CHRISTOPHER CROOSS (CHRISTOPHER CROSS)

El primer album de este artista americano, lanzado en 1979 fue también un éxito de ventas. Todavía en activo, ya con unos cuantos años a la espalda, sigue de giras (2018) incluyendo España. Pero de ganador de 5 premios Grammy pasó a un relativo olvido en poco tiempo. Para los jovenes de los 80, les será fácil recordar un par de canciones, "Ride like a wind" y "Sailing", la verdad es que sonaban hasta la saciedad en las emisoras de la época.

Las canciones del disco son cálidas, fáciles de escuchar. La voz de Christopher, muy clara, de timbre agudo, hacía que las canciones sonaran aterciopeladas. Hay que reconocer el mérito de este disco, en un año en el que la superproducciones de bandas legendarias acaparaban los focos de atención del momento.



15. A NIGHT AT THE OPERA (QUEEN)

Señores, momento de ponerse en pie. El cuarto album de Queen, publicado en 1975, y posiblemente su obra más famosa, toma su título de una película de los Hermanos Marx y que la banda vio en una noche durante la grabación del disco. El disco elevó a la banda a la categoría de superestrellas y consagró a una de sus canciones, "Bohemian Rhapsody" como leyenda del rock.

Debido a que Queen había titulado sus álbumes "Una noche en la ópera" y "Un día en las carreras" en referencia a dos de las más famosas películas de los Hermanos Marx, Groucho Marx invitó a Queen a visitarlo en su casa de Los Ángeles en marzo de 1977 (cinco meses antes de su muerte). La banda se lo agradeció e interpretó ''39'' a cappella.

En este disco aparece la primera canción de John Deacon, el bajista: "You´re my best friend", canción que siempre gustó en el seno del grupo y que era una de los clásicos en casi todos los conciertos de Queen. Brian May, que tenía estudios de Astrofísica, los empleó en la canción "39"; El tema cuenta la historia de un grupo de exploradores espaciales que se embarcan en un viaje que, desde su perspectiva, dura un año. A su regreso se dan cuenta de que en realidad han pasado cien años, debido al efecto de dilatación temporal de la Teoría de la Relatividad de Einstein, y que los seres queridos que dejaron atrás son ya ancianos o están muertos.

16. VIOLATOR (DEPECHE MODE)

Publicado en 1990, en plena madurez de esta banda de tecno, es, a mi entender, el album más completo de Depeche Mode. Hasta cambiaron la tendencia de las portadas que tenían hasta entonces, más "tecnos". Sinceramente, no sabría cómo calificar este disco; no es rock, pero tampoco es tecno puro y tampoco es glam. Y sin embargo, tiene un poco de todo ello. Tal vez sea este el motivo por el que se haya convertido en otro disco atemporal.

Creo que fue el punto de ruptura de este grupo con su pasado. Dejaron de ser el grupo tecno por excelencia, rodeados de teclados y sintetizadores, muy ochentero, para evolucionar a un estilo más mezclado pero con personalidad propia y con mayor presencia de cuerdas. Todo el disco es una delicia, pero supongo que "Personal Jesus" es la pieza clave. Yo destacaría además "World in my eyes" y "Enjoy the silence".


 
17. ALCHEMY (DIRE STRAITS)

Este es el segundo disco "Live" de esta colección (disco doble, concierto en Londres). Publicado en 1984 es todo un icono de mi generación. Personalmente, prefiero muchas de las versiones de este disco a las originales de estudio, especialmente la de "Tunnel of Love", con ese increible intro previo ("The Carousel Waltz"). Y conozco poca gente que no tenga o hay tenido en algún momento en el CD del coche el "Sultans of Swing". Para los de mi generación, Dire Straits era un grupo de referencia en cualquier fiesta, sarao o momento de juerga con los amigos. El repertorio de este grupo es fantástico y la selección de las canciones de este doble en directo es bastante apropiada.

La portada del álbum está extraída de una pintura de Brett Whiteley. El artista australiano realizó para la ocasión un collage con los rostros de los miembros del grupo que se puede observar en la contratapa del álbum. Otro disco para el que no pasarán los años...



18. IN THE WEE SMALL HOURS (FRANK SINATRA)

Este no será el único album de un "crooner" en esta lista. Es difícil elegir un disco de Frank Sinatra. He escuchado cerca de 60 discos suyos y creo que, quitando recopilaciones, este es el más completo de todos. Lógicamente, en una de sus múltiples recopilaciones tendremos en un mismo disco más hits de Frankie, pero este disco, lanzado en 1955, es uno de los primeros discos "conceptual" del artista americano. Los temas contenidos en el álbum tratan temas relacionados con la soledad, introspección, amores perdidos, relaciones amorosas fallidas, depresión y vida nocturna. El arte de portada refleja estos temas y retrata una mirada reflexiva de Sinatra parado en una calle misteriosa y desierta inundada por luces de teñido azul. Todas las piezas del álbum son baladas organizadas alrededor de un ambiente de aislamiento a altas horas de la noche y de dolor por un amor perdido, usualmente relacionado con la separación de Sinatra de Ava Gadner.


19. DISCOVERY (ELECTRIC LIGHT ORCHESTRA)

Otro disco de 1979, la ELO siempre han sido los reyes de la música... ¿electrónica?  Según el lider de la banda, Jeff Lynne, cuando crearon el grupo su intención era "continuar donde los Beatles lo dejaron con I am the walrus". Con este disco, la ELO por fin se colaron en los primeros puestos de las listas de los más vendidos. Destacar sobre manera de este disco "Last train to london", "Midnight blue" y "Don´t bring me down".

Aunque la ELO de 1979 es oficialmente un cuarteto, Discovery contiene puro Jeff Lynne: grandioso romanticismo, docenas de ganchos pegajosos, rutilante arquitectura sonora, rotunda pegada. De fondo, los Beatles y otras tendencias del pop londinense de los sesenta. Lynne incorpora sibilinamente los falsetes a lo Bee Gees y ritmos cuadrados de discoteca. Y otra portada icónica al canto.


20. WATERMARK (ENYA)

El primer album de esta cantante irlandesa, lanzado en 1988. Con este disco, Enya se puso en primer plano del panorama musical. Aunque todos solemos calificar los discos de esta artista dentro del estilo "new age", ella nunca ha compartido esa clasificación. Según su opinión, fue una denominación para una música que no se supo etiquetar de otro modo. Por una parte, esa música se inspiró en las raíces celtas de su tierra y en los cantos eclesiásticos de su niñez. La música clásica y sus estudios de piano, que moldearon el gran talento para la melodía y la armonía de Enya, son otro componente.

Enya nunca desdeñó las posibilidades de los sintetizadores, nuevos instrumentos musicales de su tiempo; su hermosa y versátil voz, genialmente grabada y mezclada en varias capas, quedó enmarcada en aquellos sonidos sintetizados. El resultado de todo esto fue que, sencillamente, nunca nadie antes había escuchado nada igual. Y así acabaron calificándolo desde fuera como New Age.

21. THE BLUES BROTHERS (BSO)

The Blues Brothers era inicialmente un número cómico musical creado por John Belushi y Dan Aykroyd, para el programa de televisión Saturday Night Live, en el que John trabajó durante el período 1975-79. Al principio el grupo que les acompañaba era el del programa, pero reunieron una banda musical estable para su primer disco. En 1980 rodaron la pelicula por la que se dieron a conocer en todo el mundo. La película se desarrolla en Chicago. Cuenta con números musicales de rhythm and blues y soul hechos con la colaboración de los artistas James Brown, Cab Calloway, Aretha Franklin, Ray Charles y John Lee Hooker. Los hermanos "Joliet" Jake y Elwood Blues estaban interpretados por un John Belushi en su febril apogeo y por su compañero de fatigas, Dan Aykroyd. Sus números eran una combinación de humor y buena música. Con un vigor fuera de cualquier duda, el dúo realizaba versiones de clásicos del rhythm 'n blues y, de paso, reivindicaba el blues y el soul en plena marea discotequera.


22. BAT OUT OF HELL (MEAT LOAF)

Siete canciones de pura energía fueron el segundo disco de este cantante entrado en carnes. Lanzado en 1977, fue un éxito instantáneo. Aunque el disco suele ser catalogado como rock duro, estoy en desacuerdo con esta afirmación. Canciones como "Heaven can wait" o "Two out of three" no se acercan siquiera a esa etiqueta.

Bat Out of Hell contiene siete canciones, que transitan desde el metal más poderoso hasta las baladas, pasando por el rock más puro. La primera pista, de casi diez minutos de duración, es un auténtica sucesión de golpes y sensaciones empujadas por la genial voz de Meat Loaf, el incansable piano y la guitarra eléctrica. Y luego está la introducción de "You took the words right out of my mouth", ese diálogo amoroso (o quizás más) entre un hombre y una mujer que se examinan mutuamente... Un album lleno de detalles y de melodias pegadizas.



23. RUMORS (FLEETWOOD MAC)

Quizás el disco más conocido de esta banda, publicado en 1977. Con una clara influencia pop, las pistas del álbum se grabaron usando una combinación de instrumentos acústicos y eléctricos. El trabajo se lleva todos los laureles, no solo por su calidad, sino también por lo milagroso que fue su concepción y lanzamiento ya que fue concebido en medio de un sinnúmero de problemas matrimoniales y de adicciones entre los miembros de la banda , lo cual le dio una particular temática e intención a las canciones. En las letras y los climas de las canciones se ven reflejadas las tensión reinante de las sesiones de grabación.  Estas experiencias le dan un climax como nadie lo hubiese podido plasmar, de ahí a el éxito abrumador del disco. Y de ahí también el nombre "Rumours" debido a que en su plena concepción no cesaba de "rumorearse" la disolución.



24. AVALON (ROXY MUSIC)

El octavo album de la banda inglesa, publicado en 1982, y también el ultimo como grupo. Este disco fue el canto del cisne de Roxy Music. Apoteósico, con canciones como la que da nombre al disco "Avalon", "Take a change with me" o "More than this", es, sin duda, su trabajo más sofisticado. En el disco hay un par de canciones instrumentales, no porque así estuviera previsto desde el principio, sino porque Brian Ferry iba improvisando las letras según grababan el disco y se quedaron sin tiempo. Las cosas de los genios.

La portada es una fotografía de la novia de Brian Ferry, Lucy Helmore, modelo inglesa que poco después sería su esposa, sosteniendo un halcón y haciendo referencia a la isla mítica en las leyendas del Rey Arturo. La verdad es que cualquier portada de Roxy Music es un icono musical.



25. TIME (GILLIAN WELCH)

Increible disco de esta semidesconocida artista en España. Este es su tercer disco, lanzado en 2001. De un estilo musical "soft country", la mayoría de las canciones son básicamente una guitarra y la desgarrada voz de Gillian. La canción "The Revelator" es para mi gusto, sensacional. Del disco también destacaría "April the 14th", "Dear someone" y, especialmente, "I dream a Highway", una canción de 14 minutos en la que Gillian deja la puerta abierta a muchas interpretaciones (para mí, vuelca todo el dolor por una persona que ya no está). En el último verso, se pregunta cuánto tiempo puede durar esto: "¿Qué nos sostendrá durante el invierno? / ¿Adónde se fueron las lecciones del año pasado?" Sin embargo, su ensueño persiste: "Sueño una carretera para ti / una cinta sinuosa con una banda de oro". Quizás las respuestas esperen al final de ese camino simbólico. O tal vez ahí radica la salvación, ya que la súplica final de Welch es que "una visión de plata venga y bendiga mi alma".


26. NOW THAT´S WHAT I CALL QUITE GOOD (THE HOUSEMARTINS)

Voy a hacer trampa y poner un recopilatorio en esta lista, el de los Housemartins, lanzado en 1988, un grupo inglés con una música y una estética desenfadada, alegre. Sus letras, una mezcla de política marxista y reflexiones sobre la cristiandad. Desde luego que el nombre del album hace justicia a lo que contiene. Desde luego dejan claras sus tendencias políticas, en una de sus canciones más conocidas, "Five get over excited", dicen:

Fingiendo preocupación, un pasatiempo conservador.
Te hace sentir dudoso desde el principio.
La expresión que saca es exactamente igual que la última vez.
Tienes que concluir que simplemente no tiene corazón.

Ten presente que hay que poner esta letra en el contexto de los años de Thatcher.

El estilo musical, la sonoridad de sus canciones, es muy similar a The Smiths, sonido clásico de los 80. Pero su imagen era radicalmente distinta, mucho más sana. Todo ello queda reflejado en una de sus canciones estrella "Caravan of love", un clásico cantado a capella.

27. WHAT´S GOING ON (MARVIN GAYE)

Este disco de Marvin Gaye se publicó en 1971, centrado especialmente en la guerra de Vietnam, todas las canciones se han de ver como un todo, es la visión de un veterano de guerra que, al volver a casa, se encuentra con un hogar que le es difícil reconocer, lleno de odio y sufrimiento. A su regreso, descubre que la América cuyos valores ha estado defendiendo está acosada por la pobreza, la brutalidad policial, el consumo indebido de drogas, niños abandonados, la decadencia urbana y los disturbios civiles. Es la historia de su hermano, que estuvo tres años en Vietnam. El éxito del album fue inmediato, de hecho, es uno de los discos que suele aparecer invariablemente en todas las clasificaciones de "los mejores" que yo haya visto. El disco es puro sonido Motown, el mítico sello de artistas de soul de la época, y la consecuencia de una decisión de Marvin; o se decidía por jugar profesionalmente al fútbol americano (un año antes estuvo probando en varios equipos de la liga) o por la música. Afortunadamente, se decidió por la música.


28. JOHNNY HODGES AND BILLY STRAYHORN (JOHNNY HODGES)

Y ahora un poco de Jazz. Si eres apasionado al sonido saxo años 60, no debes dejar de escuchar este disco. Es un album de estudio de 1962 en la que Johnny Hodges es el artista solista de saxo y está acompañado por la orquesta de Billy Strayhorn.

Son dos personalidades de la, a su vez, famosa orquesta de Duke Ellington.  Johnny Hodges, el maestro saxofonista y Billy Strayhorn, la mano derecha de The Duke. Ambos muestran su talento para presentar sofisticados melodías de una manera alegre y entretenida.

Solo por destacar una canción, 'Stardust', con un increíble solo de Lawrence Brown en trombón, otro procedente de la cantera de talentos que era la orquesta de Duke Ellington.


29. I ROBOT (THE ALAN PARSONS PROJECT)

El segundo disco de la pareja Parsons/Woolfson, publicado en 1977. El álbum está inspirado en las historias de Isaac Asimov sobre robots. Woolfson realmente habló con Asimov, quien se mostró entusiasmado con la idea. Como ya se habían concedido los derechos a una empresa de televisión/cine, el título del álbum fue alterado ligeramente eliminando la coma (I, robot), y el tema y las letras fueron hechas para tratar más genéricamente sobre robots y la relación con el ser humano en vez de específicas al universo Asimov. En la cubierta interior del disco decía: "Yo Robot... La historia del ascenso de la máquina y el declive del hombre, que paradójicamente coincidió con su descubrimiento de la rueda... y una advertencia de que su breve dominio de este planeta probablemente terminará, porque el hombre trató de crear el robot a su propia imagen". La última canción del disco es Génesis Ch.1 V.32, aunque el primer capítulo del Génesis sólo tiene 31 versículos. Es otro disco atemporal y, además, un lujo de portada.


30. PARIS (SUPERTRAMP)

Nuevamente me decanto por un album en directo (doble) por la variedad de canciones y por la intepretación del grupo. Todos los discos de Supertramp son fabulosos, y sus portadas, legendarias. Este disco fue publicado en 1980 conteniendo los principales hits del grupo hasta el momento. La interpretación es, según mi parecer, impecable, prácticamente casi es sonido de estudio. Supertramp venía de publicar el disco "Breakfast in America", que fue el que les catapultó a estrellas mundiales del panorama musical, así que decidieron hacer un directo para ganar tiempo con el que preparar un disco de estudio que estuviera a la altura del "Breakfast".

Tengo muchísimas dudas para decidir la segunda canción del disco; la entrada de "School" es maravillosa, "Breakfast in America" es potente, con "Dreamer" es imposible no tatarear... pero la interpretación de "Fool´s overture" es simplemente maestra. Y es que siempre nos quedará París.


31. BALLAD OF THE BLUES (JO STAFFORD)

Jo Stafford era una vocalista de renombre en Ámerica en los años 50 y 60. Este disco está basado en una temática blues, aunque la música parece sacada en multitud de ocasiones de una película del viejo oeste ("He´s gone away" o "Every night when the sun goes in").

La voz de Jo es aterciopelada y pasional. Y en este disco interpreta las canciones de manera colorida y cinematográfica en un flujo interminable de blues clásico (New Orleans) y popularizado (Hollywood) intercalados con nuevos títulos de capítulos musicales que resumen el modo de blues cronológicamente como una vieja historia, una historia de problemas, una cosa que viaja y se transforma a la perfección ("los tiempos cambian y las cosas cambian") en la era moderna. 

No te engañes. No es un disco mohoso de una época remota. Muy al contrario, es una obra maestra llena de pasión, lamentos, esperanza, añoranza y belleza. De todos los que he puesto en esta lista, este ocupa en mi corazoncito una posición muy alta. Y voy a aprovechar ahora para escucharlo otra vez...


32. TRUELOVE´S GUTTER (RICHARD HAWLEY)

Otra vez tenemos por aquí al trovador de Sheffield, ahora con una obra maestra. Su sexto album, publicado en 2009, y creo que se llevó un premio al mejor disco de la década. Es el album más íntimo y oscuro de Hawley, prácticamente sin percursión y muy rico en matices. Es un disco lento, suave, no hay canciones estridentes. Ninguna de ellas sonará en alguna fiesta de adolescentes. El enfoque del disco es decididamente melancólico, incluso para el estándar de Hawley, ya de por sí elevado. Y su voz, siempre rota, sorprendente, expresiva es perfecta para esta temática reflexiva. 

Cualquier disco de este compositor se merece atención reverencial y repetidas audiciones, ya que nos ofrece una variedad sinfin de registros, pero en el caso de Truelove´s Gutter, creo sinceramente que Hawley llega al cenit de su carrera.

El album en su conjunto es elegante y a momentos sublime, pero me quedo especialmente con "Open up your door" y "Remorse code", Hawley hace acto de constricción y decide cambiar su vida, acercarse más a su mujer, dejar el tabaco, nuevos propósitos en la vida...

33. PRETENDERS (PRETENDERS)

El primer disco de la banda de Chris Hynde no podía faltar en este listado por el impacto que me causó la primera vez que lo escuché. El album fue lanzado en 1980, aunque no fue hasta unos pocos años más tarde cuando lo descubrí, en aquella oleada popera de los 80.

Luego, con el tiempo, todos los intengrantes del grupo se fueron marchando del grupo o muriendo por los excesos de la época (el guitarrista y el bajista del grupo). Solo quedaría Chris como líder rodeada momentáneamente de nuevos músicos. Decir que The Pretenders es Chris Hyden no es ningún descubrimiento excelso, porque así fue desde su primer trabajo. Aunque The Pretenders sigue dando guerra actualmente, ningún otro disco suyo alcanzó la magnificiencia de ese primer disco.



35. TATTO YOU (ROLLING STONES)

Soy consciente que podría recibir una somanta de palos por elegir este disco de los Rolling Stones y no otro suyo en mi lista de favoritos, pero como decía al principio, es MI lista de favoritos. Lo publicaron en 1981 y ya llevaban unos cuantos a cuestas. Tiene una parte de Rock´n´roll clásico y otra parte de baladas. Creo que este disco actualizó la banda a una nueva época, más moderna, ya que a muchos de nosotros, los Rolling nos sonaba a algo desfasado y viejo (la ignorancia de la juventud!)

Yo siempre he tenido especial cariño a dos de sus canciones: "Start me up" y, sobre todo, "Waiting on a friend". Aunque hay un punto negativo del disco: su portada. ¡Ay, esa portada! Por lo visto, no gustó ni siquiera al propio Mick Jagger, quién confesó a un periodista que le parecía una mierda, pero que haberla echado atrás para encargar otro diseño hubiera retrasado demasiado la salida del disco a la venta, así que la mantuvo.


36.  ABOUT THE BLUES (JULIE LONDON)

Album de 1957 de esta sensual cantante y actriz, célebre en los EEUU, y para mi gusto, el más íntimo de toda su discografía. El estilo de las canciones es suave, casi una mezcla entre blues y jazz, interpretadas con la voz cálida clásica de Julie. Con las primeras notas, evoca a la banda sonora de un thriller de cine negro, de un sensualismo crudo y destilando sofisticación por todas partes. No es de extrañar que Julie vista el vestido de color oro de la portada, era la vocalista más popular de la época y un sex-symbol. Por decirlo de una forma, Julie era el ejemplo de la cantante sexy de música nocturna en locales glamurosos. Estoy casi seguro que la mujer de Roger Rabbit (la voluptuosa cantante Jessica Rabbit) está basada en ella.

Me cuesta destacar canciones del disco. Me gustan especialmente "Shadow Woman" y "About the blues",pero es que todo el disco es una delicia. Son 16 canciones para escuchar en una cálida noche de verano en algún lugar alejado y solitario, a poder ser, bien acompañado.

Por cierto, con este album se repite la única canción de este listado de discos, "Blues in the night", que también cantaba Jo Stafford unos pocos discos más atrás.

37.  THE QUEEN IS DEAD (THE SMITHS)

El tercer disco de la banda liderada por el siempre excéntrico Morrissey, por cierto, el autor de la portada, y que fue lanzado en 1986, con un éxito de ventas inmediato. el disco contiene los "hits" más potentes de la banda, "Bigmouth strikes again", "The boy with the thorn in his side" y mi adorada "There is a light that never goes out" (este grupo nunca ha tenido problemas en titular sus canciones con más de cinco palabras).

El disco es una combinación de estilos musicales, en algunos casos más rockeros, en otros más poperos, pero manteniendo siempre ese "estilo Manchester" que les ha caracterizado en su carrera. las letras son terriblemente mordaces, y critican desde la Reina Isabel y descendientes ("I said Charles, don´t you ever crave/to appear on the front of the Daily Mail/dressed in your mother´s bridal veil?") a todos aquellos que se metían con Morrissey, a los críticos musicales y a la industria musical en general.


38.  THE JOSHUA TREE (U2)

Si has tenido la paciencia de llegar hasta aquí, supongo que te habrás estado preguntando cuándo iba a aparecer este disco. Me cuesta contar lo que significó para mí y para muchos de mi generación este disco, sacado a la venta en 1987. El impacto en el mundo musical fue extraordinario y muchas de las canciones (especialmente las tres primeras, creo que la mayoría las podríamos citar de carrerilla) se convirtieron en himnos de los 80. Hablando del orden de las canciones, cito de la Wikipedia: "Mientras la banda y equipo trabajaban en la mezcla del álbum, la esposa de Lillywhite, la cantante Kirsty MacColl, fue designada para escoger el orden de las canciones. La banda sólo le dijo que pusiera primero "Where the Streets Have No Name" y "Mothers of the Disappeared" al final; el resto fueron secuenciadas de acuerdo a su preferencia, que la banda mantuvo". Este álbum y en concreto la canción
“One Tree Hill” fue dedicado a la memoria de Greg Carroll, ayudante personal de Bono que falleció en un accidente de moto en Dublin en 1986. El álbum fue editado en tres formatos vinilo, casete y CD. Cada formato tenía una foto de portada distinta (el angulo desde el cual se tomaron las fotos es distinto en las 3).

39.  OUT OF TIME (REM)

Esta banda americana llevaba ya unos cuantos discos cuando lanzaron este en 1991. No eran muy conocidos para el gran público español en esa época, y yo me incluyo dentro de ese grupo, pero el boom que supuso el single de este disco "Losing my religion" nos abrió a muchos los ojos. Fuí uno de los que volo a la tienda a comprar el disco. Y aunque este hit sonó en las radios hasta desgastar la canción, descubrí que el disco contenía unas cuantas joyas más, "Radio Song", "Near Wild Heaven", "Shiny happy people" -cantada por la vocalista de los excéntricos B´52s, Kate Pierson- y, creo yo, la mejor, "Texarkana". Lo que más me llamó la atención es que en la mayoría de las canciones predomina la mandolina sobre la guitarra. Aunque tras el éxito de este disco editaron otra joyita -"Automatic for the people"-, después el grupo entró en una cierta languidez, un proceso de decadencia musical hasta llegar al 2011, momento en el que anunciaron su disolución como grupo. Pero con este disco alcanzaron la gloria eterna, descansen en paz.

40. THE WORKS (QUEEN)

Y otra vez tenemos por aquí a la genial banda inglesa. Este es el décimo disco de la banda, publicado en 1984. Hay que tener en cuenta que este disco viene después de que la banda publicara su infumable, patético, deplorable, horrible, abominable y penoso "Hot Space". Nunca, jamás, me he sentido tan decepcionado de escuchar un disco tras comprarlo con la mayor de las ilusiones. Así que cuando salió el disco y lo compré, lo escuché con verdadero temor. Estaba a punto de venírseme abajo un mito...

Pero con los primeros acordes de "Radio Ga Ga" ya empezaba a encontrarme otra vez con el pulso normalizado. Aquello me sonaba a las canciones de su último trabajo interesante, "The game", era un Queen reconocible. "Tear it up" cañera, como todas las de Taylor, "It´s a hard life" una clásica composición de Mercury, bien, aquello tenía buena pinta. Y luego vendrían "I want to break free" - que dio paso al, para mí, el mejor vídeo musical de la historia, o por lo menos, el que más me ha hecho reir. La MTV se negó a emitirlo en Estados Unidos, ellos se lo perdieron -, a otra poderosa canción "Hammer to fall" y a una exquisita y reflexiva "Is this the world we created...?". Estaba de enhorabuena, Queen había vuelto. Ya solo por eso, incluyo a este album en mi lista de favoritos.

41. LONG DISTANCE VOYAGER (THE MOODY BLUES)

Cuando publicaron este disco, en 1981, yo no conocía este grupo. Pero escuché en la radio una canción suya, "The voice", que me pareció sensacional. Por aquel entonces, los adolescentes grabábamos las canciones de la radio en las cintas de cassete, rezando para que el vocero de la radio se callará pronto con los primeros acordes y darle al botón de grabar. Y así íbamos completando la cinta de cassete, casi sin dejar espacios entre canciones y con algo de las voces del locutor al principio y al final de cada canción. Pero finalmente conseguí que cayera este disco en mis manos y mi sorpresa fue enorme. Eran canciones frescas, elegantes, el album es constante, sin grandes altibajos. Todas las canciones son interesantes, tal vez destaque un poco más "Gemini Dream". En muchos momentos, las canciones recuerdan a la ELO, supongo que sería la tendencia en aquellos inicios de los 80. Y la portada, soberbia. Como en aquella época solo podías comprar el vinilo o el cassete (yo siempre era de vinilo), me encantó que la portada era de esas que se abrían. Dentro tenía las letras y toda la información, y la contraportada era la continuación del dibujo de la portada, son los espectadores que están sentados viendo al titiritero. Una portada deliciosa.

42. THE WALL (PINK FLOYD)
Y llegamos a la que, posiblemente, sea la opera-rock más conocida. Este doble disco, lanzado en 1979, es el trabajo más oscuro de Roger Waters. Todas las canciones son suyas. Roger Waters era un tipo retraído, inestable, con una personalidad que hoy día se llamaría tóxica. En un concierto le dió por escupir a un espectador que se estaba comportando de manera agresiva y, aunque se arrepintió de ello, se imaginó que realmente existía un muro entre la banda y su público. Y de este mundo oscuro de Waters surgió su disco más oscuro, donde daría rienda suelta a todas sus pesadillas. Narra la historia de un personaje -una estrella del rock, llamada Pink ¿les suena?- mentalmente enfermo por el que focaliza diversas temáticas; la guerra, la época Tatcher, el adoctrinamiento de las mentes, las drogas, la familia, los fracasos sentimentales, todos ellos pequeños ladrillos sobre el que construir el muro que le aisla de todo pero que le lleva a una fantasía autodestrutiva. Muy tenebroso. Pero a lo que vamos, musicalmente tiene canciones espectaculares aunque debería escucharse como un todo, seguir la secuencia de canciones para percibir como el personaje va cayendo cada vez más en un pozo de locura. El disco tiene hasta un mensaje secreto. En la canción Empty Spaces, justo antes de que empiece a cantar, se escucha algo un poco raro: es una voz del revés que dice "Hello looker... congratulations. You have just discovered the secret message"

43. LIVE&SWINGIN´ (THE RAT PACK)

The Rat Pack (La pandilla de ratas) fue el nombre con el que se conoció a una pandilla de juerguistas, bueno, de actores y cantantes, que trabajaron juntos en películas y espectáculos. Aunque hubo diversos integrantes en esta banda, The rat pack es especialmente conocido por Frank Sinatra, Dean Martin y Sammy Davis Jr. El nombre de la pandilla se lo puso Lauren Bacall, mujer de uno de los integrantes oriignales -Humphrey Bogart- al verlos llegar después de una noche de juerga “Parecéis una maldita pandilla de ratas” ("You look like a goddamn rat pack") - en un estado que, amablemente, podríamos calificar como lamentable. Esta cuadrilla se hizo famosa dando espectáculos por todo los Estados Unidos, pero muy especialmente en Las Vegas. Recomiendo encarecidamente ver algunos vídeos de las actuaciones de estos personajes, no solo eran cantantes increibles, eran showmen en toda la extensión artística de la palabra. Y este disco es una buena recopilación con algunas de sus mejores canciones y los espectáculos que intercalaban entre canciones. Cuanto hubiera dado por verlos en directo en Las Vegas...

44. DIAMOND LIFE (SADE)

A mi juicio, junto a Julie London, la voz más sensual que he tenido la oportunidad de escuchar. Publicado en 1984, su canción inicial, "Smooth Operator" es todo un homenaje a la música en mayúsculas. Pero no es la única joya del disco, le siguen "Your love is king","Hang on to your love" y la maravillosa "Sally". Aunque todo el mundo confunde Sade con su cantante, Sade Adu, en realidad se trata de un grupo. Dicho esto por respeto al resto de los integrantes, Sade es Sade y punto. Mezcla un estilo de jazz y soul de forma exquisita, con mucha sensibilidad y una voz de seda. El disco fue un éxito inmediato. La voz de corazón roto de Sade acompañaba de forma armoniosa unas letras melancólicas donde el amor es el centro de todo. Luego lanzaron "Promise", su segundo disco, en 1985. Y aunque no aparece en esta lista personal, recomiendo a todo el mundo que lo escuche, porque no desmerece para nada a este "Diamond life". No need to ask/He´s a smooth operator/Smooth operator...


45. SONGS FROM THE BIG CHAIR (TEARS FOR FEARS)

El segundo disco de esta pareja de británicos, publicado en 1985, contiene canciones ("Shout") que me traen algunos de los recuerdos más poderosos de mi juventud. Aunque sentimentalmente tiene un elevado valor para mí, también creo, sinceramente, que posee un alto nivel musical. Además de "Shout", destacaría "Everybody wants to rule the world", "I believe" y "Head over heels". Pero lo justo es destacar que el album entero es una maravilla. Es música new wave, muy ochentera, con un claro predominio de teclado y sintetizador, muy del estilo de otros grupos de la época, Duran Duran, Spandau Ballet o Depeche Mode. Quizás tengan un poquito más de rock que estos, y sobre todo la percusión que manejan en todas sus canciones, pero están en el mismo saco. El título de disco hace referencia a una película (Sybil), en la que una mujer que sufre grandes transtornos psiquicos y que se sienta en una "Gran Silla" a contarle a un psiquiatra todos sus problemas. Grandes discos necesitan grandes títulos. "Shout/Shout/Let it all out/These are the things i can do without/Come on/I´m talking to you/Come on..."

46. BURY THE HATCHET (THE CRAMBERRIES)

Y otra vez tenemos por aquí a la banda irlandesa liderada por la fallecida Dolores O´Riordan, con su cuarto album publicado en 1999. Un disco fabuloso que contiene algunas de las canciones más emblemáticas del grupo: "Animal instinct", "Promises", "You&me" y "Just my imagination". La verdad es que es un disco muy rompedor con el pasado de The Cramberries, con canciones muy emotivas, más sutiles y con temática familar. En "Animal instinct" hablan del instinto primario de una madre con respecto a sus hijos y como se revolvería en situaciones desesperadas, tal como si quisieran arrebatárselos (y es que Dolores fue madre antes de la publicación del disco, así que habla de su propia experiencia, de la felicidad que le provocó). De hecho, uno de los integrantes del grupo decía sobre este trabajo "El disco suena feliz, lo que es inusual para nosotros". Y estoy de acuerdo, es un disco alegre, con melodías pegadizas y letras reflexivas. Por cierto, la portada es bastante impresionante para mi gusto. Sin títulos ni letras ("Bury the hatchet" se puede traducir como "Entierra el hacha").

47. TWIN PEAKS (ANGELO BALAMENDI)

Nos vamos acercando al final de esta lista y pongo aquí la penúltima banda sonora. No de una película, sino de una serie de televisión. Y no una serie cualquiera, la serie que rodó David Lynch en 1990 (me quedo con los 6 primeros capítulos, los que vinieros después ya fueron otra cosa). la increible música de esta banda sonora acompañó la investigación de ese excéntrico agente del FBI en el asesinato de una chica de un pueblo de los Estados Unidos. Me cuesta definir la música de este disco. Así que usaré la palabra que suelo relacionar cuando escucho sus canciones: inquietante. Es una música que sugiere un halo de misterio, de intriga. Es una música que te hace navegar entre sueños y pesadillas, entre humor negro y tragedias, reflejando con exactitud la trama que se va desarrollando en la serie. Es música que está flotando en el aire pero que te envuelve. Si no has visto la serie, al menos esos 6 primeros capítulos, te recomiendo que antes de escuchar el disco los veas. Luego harás que el disco te acompañe para siempre ("Fuego camina conmigo...").


48. RAMONES (THE RAMONES)
Hey ho, let's go! hey ho, let's go!
Hey ho, let's go! hey ho, let's go!
They're forming in straight line
They're going through a tight wind
The kids are losing their minds
The blitzkrieg bop

Es escuchar cualquier canción de este cuarteto neoyorkino (de Queens, como Spiderman, vamos) y es venirse arriba con toda la energía que transmiten. Su estilo, minimalista. Sus canciones, cortas y sencillas. A veces parece que escuchas una y el resto son iguales. Pero no conozco a una banda con un estilo más directo que ellos. El último de ellos, Tommy Ramone, el batería, falleció en 2014.

49. GREASE (BSO)

Voy abriendo el paráguas por la cantidad de chuzos que me pueden caer por incluir este disco por parte de puritanos de la música. No me importa. Insisto en que esta es una selección absolutamente subjetiva y que me llevaría también este disco a una isla. Contiene algunas canciones maravillosas que son la banda sonora de una divertidísima mala película, pero que himnos para toda una generación. El arranca del disco, fabuloso, con el clásico "Grease" de Frankie Valli (que también cierra el disco), el duo Olivia Newton John-John Travolta de "Summer nights" o "You´re the one that i want", los momentos románticos y azucarados de "Hopelessly devoted to you" o "Sandy" y Sha na na (de todas las del disco me quedo con "Those magic changes", pedazo canción que se marcan), vamos, que digan lo que digan, tiene un hueco en mi corazoncito. La película y el disco son de 1978, pero el origen es de un musical de Broadway. Lo curioso es que a día de hoy (2018) sigue funcionando como musical por todo el mundo. Y es que algo debe tener el agua cuando la bendicen...

50. ...

Pues si has tenido la santa paciencia de llegar hasta aquí, no puedo por menos agradecértelo. Pero permíteme que me reserve la posición 50. Creo que esta posición la debe ocupar un disco que todavía no conocemos, una maravilla que puede se esté grabando en el momento de escribir estas líneas o quizás dentro de unos años. Desgraciadamente, bajo mi punto de vista, creo que queda un tiempo para rellenar este hueco. Veo el panorama musical mundial y me deprime. A día de hoy, al escribir estas líneas (2019), siento que el mundo musical está pasando por una gran depresión creativa, por unas tendencias muy pobres y una falta de talento abrumadora. Echo la vista hacia atrás y me pregunto porqué no aparecen o se mantienen bandas de las que llamaríamos "míticas". No hay nada que se parezca, ni de lejos, a un Supertramp o a un Queen, o muchos de los que aparecen en este listado. Solo hay unos pocos charcos de frescura en este desierto; Richard Hawley, Camera Obscura, y ni por asomo se acercan a la grandeza de aquellas bandas míticas.

¿Qué está pasando?

¿Nos hemos acostumbrado a una música facilona? ¿Es la basura de Operación Triunfo la que marca la tendencia? ¿Dónde quedó la imaginación y el talento? ¿En qué momento del camino perdimos el rumbo?

¿Cómo es posible que la mayoría de las canciones que se siguen escuchando en las emisoras sean de discos de los 70 y de los 80?

Tal vez la explicación sea que soy un nostálgico, alguien que no se adapta a la nuevas tendencias. Pero creo que, y en esta clasificación lo he demostrado, soy una persona con unos gustos ámplios, no me encasillo en un estilo de música. Aprecio la buena música independientemente del estilo con que se ejecute. Y, sinceramente, pienso que el panorama actual es como mínimo desolador. No hay calidad, sólo marketing.

Creo que voy a tardar bastante tiempo en poder poner un disco en esta posición...

Gracias por haber leído todo esto.





 
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